Exkluzív | A Final Fantasy Tactics zeneszerzője, Hitoshi Sakimoto megerősítette: "Az FFT rock"

Wrocławból Londonba

A GMF 2018-ban indult Wroclawban, és azóta olyan helyszínekre költözött, mint a londoni Royal Festival Hall és a Fairfield Halls. Mat és Marta, hogyan nézett ki ez az út valójában, és mikortól tudtátok, hogy a fesztivál ilyen léptékben is működhet?

Félúton akartunk találkozni a közönségünkkel, és közelebb kerülni a játékzene iránt szenvedélyesen érdeklődő emberekhez, így a fesztivált Londonba vinni tökéletesnek tűnt. Ott hatalmas bázisa van a játékrajongóknak, és sokakat sokkal könnyebb elérni. Az iparági emberek részéről is megnőtt az érdeklődés, így a londoni terjeszkedés természetes és helyes lépésnek tűnt.

Még mindig emlékszem, amikor az egyik wrocławi koncertünk után beszélgettem Gareth Cokerrel (az Ori és más slágerek zeneszerzőjével). Felvetettük az Ori and the Blind Forest londoni koncertjének ötletét, és ő lelkes volt. Együtt elkezdtünk dolgozni egy új londoni kiadáson, amelyet a "The Symphony of the Spirits" című koncerttel indítottunk, amely a Ori and the Will of the Wisps című film zenéjét tartalmazza és Ori and the Blind Forest. Ez volt az igazi fordulópont!

A Final Fantasy nyomása

Sakimoto, idén ünnepli zeneszerzői munkásságának 40. évfordulóját. Amikor 1997-ben megírta a Final Fantasy Tactics zenéjét, nem érezte úgy, hogy ez a zene közel három évtizeddel később is élőben, színpadon fog szólni?

Akkoriban, amikor komponáltam, teljesen elmerültem a munkában, és egyáltalán nem gondoltam a jövőre. De miután megjelent a játék, és láttam a nagy visszhangot, azt gondoltam: "Hát, legalább nem volt teljes melléfogás" Ez egy furcsa dolog. Természetesen örülök, ha az emberek értékelik a munkámat, de nem tudom a szavaikat a magukénak venni, és ez gyakran vegyes érzéseket hagy bennem. Persze mindent megtettem, ami tőlem telik, de nem hiszem, hogy valaha is hittem volna abban, hogy ez valami olyan, ami teljesen megállja a helyét hanganyagként.

Mat és Marta, a GMF már két hivatalosan Square Enix által licencelt Final Symphony koncertnek adott otthont, 2023-ban és 2024-ben, Nobuo Uematsu és Masashi Hamauzu zenéjével. Egy olyan közösség számára, mint a Final Fantasy Union, amelynek közönsége ezen a zenén nőtt fel, mit jelent, hogy ezeket a zenéket koncerttermi környezetbe hozzák?

A Final Fantasy közösség számárasok rajongó nagyra értékeli a zenét, és erős érzelmi kötődést érez a játékokhoz és az azokat kísérő zenéhez. A zene ezeknek az érzelmeknek a hordozója. Visszahozza a játékkal kapcsolatos érzéseket és a játékhoz kapcsolódó életpillanatok élményét. Nagyon sokak számára hihetetlenül nagy értéket jelent, ha ezt élőben, egy koncertteremben, teljes zenekarral, csúcsminőségben hallhatják. Ez lehetővé teszi számukra, hogy teljesen elmerüljenek a zenében, ott, abban a pillanatban, mindenféle zavaró tényező nélkül.

"Az élő előadás tiszta érzelem. A logika ellentéte." - Hitoshi Sakimoto

Sakimoto, milyen érzés valójában zenét írni egy Final Fantasy címhez? Nagy nyomás nehezedik rád a név öröksége miatt, vagy felszabadít?

Nagy nyomást éreztem, különösen a Final Fantasy XII esetében. Alkotóként részt venni egy olyan műben, amelyet személyesen szerettem, nagyon nehéz volt. Számomra a rajongói és az alkotói lét alapvetően ellentétes. Végül csak annyit tehettem, hogy megpróbáltam teljesen elfelejteni, hogy rajongója vagyok a sorozatnak, és teljesen új műként közelítettem hozzá, a legjobbamat adva.

Korábban már beszéltél arról, hogy érezted Nobuo Uematsu örökségének súlyát, amikor a Final Fantasy XII-hez komponáltál, olyannyira, hogy megpróbáltál az ő stílusában írni, mielőtt visszaléptél tőle. Mit tanított ez a folyamat a saját hangodról?

Lehet, hogy közhelyesen hangzik, de eszembe jutott, hogy minden ember a saját "bemeneti eszközén" és elméjén keresztül érzékeli a világot és produkálja a kimenetet, és hogy ez személyenként teljesen eltérő. Még ha a Final Fantasy-sorozatot játszom is, és Uematsu zenéjét hallgatom, amíg az az én saját szűrőmön megy át, a megközelítés elkerülhetetlenül más lesz. Eleinte nehezen fogadtam el ezt, de végül abbahagytam a túlgondolkodást. Utólag már nyilvánvaló, de azt hiszem, akkoriban szükségem volt erre az időre.

Ivalice hangja

AFinal Fantasy Tactics és a Final Fantasy XII hangzásilag nagyon eltér egymástól. Az egyik földhözragadt és majdnem militarista, a másik elsöprő és nagyszabású. Hogyan lehet megközelíteni két játékot ugyanabból a franchise-ból, amelyek ennyire különböző érzelmi világot igényelnek?

Ahogy mondtad, zenei szempontból, az FFT a háborús időkben élő emberek érzelmi egyensúlyára koncentrál, míg az FFXII az egész világot élénknek és reményteljesnek mutatja be. Ez tükrözi azt a fajta utóízt, amit Matsuno úr akart az egyes műveknél. Konkrétan, az FFT-vel azt az érzést akartam közvetíteni, amikor az ember egy elnyomó világban keresi a saját igazságérzetét. Az FFXII esetében az erős színkontrasztokat hangsúlyoztam, és azon dolgoztam, hogy ezt a hangot még a nehezebb középső és későbbi részekben is fenntartsam.

Ivalice, a Final Fantasy Tactics és a Final Fantasy XII közös világa nagyon sajátos hangzással rendelkezik. Úgy jellemezted, hogy tiszta zenekari hangzás, mert a fantasy-nak így kell szólnia. Az azóta eltelt évek alatt változott egyáltalán a fantasy hangzásának meghatározása?

Nem vagyok benne biztos, hogy a "tiszta zenekar" a megfelelő kifejezés, de igyekeztem minél több hagyományos zenekari hangszert használni. A zenekar egy jól bevált formátum, de folyamatosan fejlődik. Úgy gondolom, hogy ez a folyamatos erőfeszítés az, ami formálta a történetét és életben tartotta a zsenialitását. A hangszerelésem meglehetősen szokatlan, de igyekeztem belepakolni a zenekarral kapcsolatos eszményeimet és reményeimet. Ez a tisztelet nem veszett el. Személy szerint a zenekari hangzást szeretem szintetizátorok nélkül és anélkül, hogy a nehéz keverésre támaszkodnék.

Vannak olyan pillanatok a Final Fantasy Tactics vagy a Final Fantasy XII zenéiben, amelyekről mindig is úgy érezte, hogy az akkori hardver korlátozza, és amelyeket egy élő zenekari előadással végre teljes mértékben megvalósíthat?

Amikor játékhardvereken dolgoztam, az volt számomra a kész forma, és olyasmit akartam elérni, amit az élő hangszerek nem tudtak megismételni. Ez persze rendkívül megnehezítette, hogy ezeket a darabokat élőben úgy adjam elő, ahogy voltak. De az előadói technikák folyamatosan fejlődtek, és ami még fontosabb, hogy ma már több, a játékokat szerető zenész hajlandó vállalni ezeket a kihívásokat. Ezért igazán hálás vagyok.

Rock, kód és zenekar - a régóta tartó vita lezárva

A zeneszerzés előtt kezdted a saját hangsugárzók építését. Lényegében először programozó voltál. Ez a technikai alapozás mennyire befolyásolja még mindig a zenéről való gondolkodásodat, különösen, amikor a zenét élő előadáshoz kell igazítani?

Matekos stréber voltam, de őszintén szólva a matematikai megközelítés nem segített a zenémben. Talán még ártott is. (Nevet) Szerencsére ezt már korán felismertem, így szabályként fogadtam el, hogy kerülöm a logikus gondolkodást, ha zenéről van szó. Ehelyett arra képeztem magam, hogy az érzékeimre hagyatkozzam, és a tapasztalatokon keresztül építsem fel az intuíciómat, miközben a meglepetés megteremtésének módjait is kutattam. Az élő előadás tiszta érzelem. A logika ellentéte. De vannak pontok, ahol keresztezik egymást, és láttam, hogy sok új értelmezés születik ebből a kereszteződésből. Nagyon sokat lehet tanulni az élő előadásból.

A legnagyobb hatásod az YMO, a Kraftwerk és olyan progresszív rockzenekarok, mint az Emerson, Lake and Palmer és a korai Genesis. A játékzenéid mégis szinte teljes egészében zenekari zenék. Hogyan tudod összeegyeztetni ezt a két dolgot, és él-e még a Final Fantasy Tactics és a Final Fantasy XII zenéiben valamilyen elektronikus DNS?

Természetesen. Határozottan ott van. Az FFT rock! A tuba és a harsona úgy működik, mint egy nagydob, a többi hangszer pedig átveszi a snare és a hi-hat szerepét. Gitárszerű ritmusok szövik át és hajtják a dallamot, és még énekhang is van benne. Miközben a zenekari hangszerek erősségeit használom, alapvetően egy zenekari struktúra van alatta. Még mechanikus, techno-szerű ütemek is vannak benne a korai elektronikus zenéből! (nevet)

Azért alapítottad a Basiscape-et, hogy nagyobb kreatív szabadságot adj magadnak. Hogyan változtatta meg a stúdió vezetése az írásodat?

Őszintén szólva, a indítottam a céget abban a reményben, hogy ez majd megkönnyíti a dolgokat, de kiderült, hogy eléggé megterhelő (nevet). Azért az, hogy meg tudtam osztani a munkát, azt jelentette, hogy teljesen más stílusú emberektől tanulhattam. Ez hihetetlenül értékes volt. Nem csak a technikáról van szó. A gondolkodásmódok sokfélesége valóban fontos.

Élő előadás

A játékzene úgy van megtervezve, hogy loopoljon, reagáljon, és másképp lélegezzen attól függően, hogy mit csinál a játékos. Amikor ezt zenekarra adaptálod, mit kell megváltoztatnod, és mit kell megtartanod?

Ez nem csak a zenekarokra vonatkozik, de amikor filmzenéket készítünk, megpróbálunk úgy zenét írni, hogy kihasználjuk a benne rejlő erősségeket. Ez azt jelenti, hogy hosszú időn keresztül irányítjuk az érzelmeket, és univerzális drámaérzetet idézünk elő a hallgatóban. A zenekari hangzás különösen nem tartalmaz felesleges díszítéseket, miközben a színek és a dinamika széles skáláját kínálja, így ideális közeg erre a célra.

Mat, mint az Alapítvány elnöke, stratégiai szemléletet képvisel. A Final Fantasy-nak globális rajongótábora van, amely mélyen kötődik a zenéhez. Hogyan közelíted meg a programozást egy olyan közönség számára, amely már akkor személyes kapcsolatot ápol ezekkel a zenékkel, amikor még csak le sem ülnek?

Imádom, hogy a koncertjeink közönsége ilyen erős érzelmi kötődést mutat az általunk bemutatott zenéhez. Ez egyrészt hatalmas elégedettséget okoz. Ezeket az érzelmeket élőben lehet megfigyelni az előadás során. Másrészt ez az érzelmi töltés nagy felelősséggel jár. Lehet, hogy furcsán hangzik, de a legmélyebben magára a zenére koncentrálok a próbák során. A koncert alatt azonban szeretek diszkréten a közönségre és az ő koncentrált, érzelmekkel teli arcukra pillantani.

A Final Fantasy-sorozat esetében ez különösen hangsúlyos. A zenéje még a videojátékok zenéinek amúgy is érzelmes világában is egy ligával előrébb áll, ha a közönséggel való kapcsolatról van szó. Ez azt jelenti, hogy olyan hallgatókkal kell foglalkozni, akiknek sajátos elvárásaik vannak, kívülről tudják az anyagot, és erős emlékeket hordoznak hozzá kötve. Egy ilyen koncert létrehozása aprólékos gondosságot és figyelmet igényel minden részletre.

"Zenéje még a videojátékok zenéinek amúgy is érzelmekkel teli világában is egy ligával előrébb áll." - Mat Pawlak

Sakimoto, ön már korábban is részt vett munkáinak élő előadásán, a Distant Worlds és a tokiói Hoshirabe Orchestra koncertjén. Olyan érzés egy zenekart hallgatni, amely az általad írt zenét játssza, mintha valami ismerőset hallanál, vagy minden alkalommal valami újdonságot jelent?

Gyakran új és nagyon izgalmas érzés. Az interpretációk eltérhetnek attól, amit eredetileg terveztem, de ez azért van, mert a hangszerelők úgy érezték, hogy ezek a döntések szükségesek. Sokat tanulok abból, hogy ezt hallom.

Mi inspirálja Önt, amikor hallja a saját műveit élőben, közönség előtt előadni?

A saját zenémet hallgatni kicsit nyugtalanító érzés lehet, de látni, hogy a közönség élvezi, és elmerülni ebben az energiában hihetetlenül megnyugtató. Ez bátorságot ad ahhoz, hogy továbblépjek. Az, hogy ilyen módon erőt meríthetek, valóban áldás.

A harmónia színei

A koncert címe: A harmónia színei. Mit jelent ez a kifejezés számodra személyesen a taktikai RPG-ket, fantasy eposzokat, a Vanillaware festői világait és az animéket felölelő karriereddel összefüggésben?

Nem én találtam ki a címet, de tökéletesen kifejezi azt a világot, amit megcéloztam, és ez nagyon boldoggá tesz. Remélem, az emberek élvezik az egyes játékok témáit és az azokat életre keltő zenét.

Mat és Marta, a The Colors of Harmony kifejezetten Sakimoto munkásságára összpontosít, nem pedig a Final Fantasy szélesebb körű katalógusára. A Final Fantasy-rajongóknak, akik esetleg nem ismerik a Vanillaware olyan címeit, mint a 13 Sentinels vagy az Odin Sphere, mit szeretnél, mit vigyenek magukkal abból, hogy ezt a zenét hallják az általuk már szeretett FF zenék mellett?

Ritkán csinálunk ilyen átfogó, keresztmetszeti koncerteket. Gyakrabban monografikusak, egy játékra vagy sorozatra összpontosítva. Ebben az esetben a zeneszerző munkásságáról adunk áttekintést. Ez az egész partitúra közös szála. Stílusilag a filmzenék olykor különbözőnek tűnhetnek, de végső soron egy alkotó művészi szelleme köti össze őket. Úgy gondoltuk, hogy ez egy érdekes élmény lesz. A koncerten biztosan lesznek olyan rajongók, akik ismerik Hitoshi Sakimoto teljes életművét. Számukra ez egy igazi ünnep lesz. Lesznek olyanok is, akik kizárólag a kiterjedt FF-szegmens miatt jönnek el, és nem ismerik a többi címét. Reméljük, hogy számukra ez a japán mester kreativitásának ismeretlen oldalának felfedezése lesz.

"Amikor a művészek szabadon együttműködnek, valami igazán varázslatosat varázsolnak." - Marta Pawlak

Marta, a GMF-nél a te szereped középpontjában a helyszínek és a koncertek tényleges megvalósításának logisztikája áll. Mi kell ahhoz, hogy egy olyan zeneszerzőt, mint Sakimoto, egy olyan színpadra hozzanak, mint a Fairfield Halls, és mit nem lát a közönség, ami egy ilyen estébe beletartozik?

Egy zeneszerző meghívása aprólékos tervezést és sok csapat együttműködését igényli, valamint a váratlan események figyelembevételét és a váratlan fordulatok rugalmas kezelését. Először is, a fesztivál vízióját a zeneszerzőnek és a játékfejlesztőnek adjuk át, meggyőzve őket a koncert ötletéről.

Miután eligazodtunk a hivatalos jóváhagyásokon és a bürokrácián, belevetjük magunkat a művészi oldalba: felbéreljük a legjobb zenekari hangszerelőket, hogy meggyőző dramaturgiával rendelkező, koncertre alkalmas feldolgozásokat hozzanak létre. A játékzenék gyakran több órányi zenét tartalmaznak, így mi 1-1,5 órás koncertet készítünk belőlük, amely magával ragadja a hallgatókat. Ugyanakkor gondoskodnunk kell a logisztikáról is, a koncert időpontjának meghatározásától kezdve a művész és csapata utazásának és szállásának megszervezésén át. Rengeteg logisztikai kockázattal kell számolnunk, például azzal, hogy ne következzenek be olyan kedvezőtlen körülmények, amelyek megakadályozzák a zeneszerző érkezését.

A közönség soha nem látja a kulisszák mögötti folyamatokat, a rengeteg e-mailt, a zeneszerzővel és a játékfejlesztővel való találkozókat, vagy az ütemtervek kiigazítását. Sok hónapos előkészületekről és a hirtelen felmerülő problémák megoldásáról van szó.

De az igazi hab a tortán? A barátságos légkör megteremtése, hogy mindenki jól érezze magát a színpadon. Amikor a művészek szabadon együttműködnek, valami igazán varázslatosat varázsolnak. A siker végső soron azt jelenti, hogy a közönség el van ragadtatva, az előadók pedig boldogok, és mindannyian élvezik a végeredményt.